抚琴动操，欲令众山皆响
入门
吉他挑选
基本功(左手和右手)
右手大拇指弹456弦，食指弹3弦，中指弹2弦，无名指弹1弦。小拇指不弹（指弹对空间感把握较差的话可以搭在音孔附近，有利于右手拨弦找位置）
- 先开始练53231323，空弦练，练这个是为了提高你手指的熟练度，很多新手刚开始练吉他都会出现刻意去看你的右手的问题，想去看自己的手指有没有放在对应的琴弦上面。 不要小瞧这个，你要练到不用看可以很流畅的弹出来，并且每一根手指弹完之后 可以很自然的放在对应的琴弦上面（要去找这个感觉）。
- 爬格子左手要去按琴弦了，练着手会很痛因为要起茧子，老手不常弹再弹也一样会经历这个过程。一定要坚持，不要怕痛。如果连爬格子都坚持不下来，梦该醒了。
爬格子练习（练了不少了，可以开始练音阶）- 刚开始左手可能会按不紧导致弹不响，那就使劲去按别怕痛，不痛不肯起茧的
- 需要练习左手手指跨度，推荐跟着打开手指锻炼。
右手拨弦
大拇指用拇指外侧的肉去拨弦，就是右手大拇指偏左侧的一点肉；
其他手指用的是指尖顶端的肉，指甲会带动一点琴弦；右手指甲要留1-2mm的长度，圆弧状；左手不留指甲。
所有手指都是往手心方向拨弦。
中指拨弦时食指不要靠在三弦上，无名指拨弦时食指中指不要靠在对应弦上免得造成障碍。
大拇指超出食指一个指节左右，大拇指用根部关节（大关节）运动来拨弦，其他手指也主要是用大关节来发力，然后配合中间关节来引导力的方向。
左手握法
两种握法：
现代琴握法和古典琴握法。
现代握法手指要斜向，这样才能伸得远，如果小鱼际碰到了琴颈，太垂直了手指就不好张开，够不到高品格了。
左手手指的数字标记：
食指1、中指2、无名指3、小指4、大拇指T
左手按弦要点：
指尖按在品格最右边
手指关节自然拱起来
节拍
拍号： 表示拍子的记号，如2/4、3/4、4/4、2/2、3/8、6/8等。拍号用分数形式标记，分子(左边的数字)表示每小节有几拍，分母(右边的数字)表示几分音符为一拍，读拍号时从右往左读(先读分母再读分子)，只读数字。如6/8拍读作八六拍，表示八分音符为一拍，每小节有六拍；如4/4读作四四拍，表示四分音符为一拍，每小节有四拍。
以下图为例(4/4 四四拍)：
该第七小节有四拍，每一个段落就是一拍。以四分音符为一拍的话，则二分音符长度为两个节拍，四分音符长度为一个节拍，上图两条线的就是十六分音符，长度为四分之一节拍，所以四个十六分音符组成了一个节拍，一条线的是八分音符，长度为二分之一节拍，相当于两个十六分音符，上图第二拍的后半拍出现了八分音符，所以在第三拍应该再持续一个十六分音符的时值再接着往下弹。
换弦和调弦
换弦
123弦拧紧：吉他正面对你右手逆时针（对右手掌心来说是逆时针）的方向，音比较低要升的时候这么拧
456弦拧紧：吉他正面对你左手逆时针（对左手掌心来说是逆时针）的方向，音比较低要升的时候这么拧
放弦柱的时候往下压的同时弦要往上拉
旋钮要扭到孔朝前
琴弦拉过去理顺拉直
456弦从上琴枕的位置开始往回拉一品半，456拧旋钮要让弦往吉他正面左边走，具体看第一个视频。
可以先调到降全音，再调到将半音，再调到标准音
调弦
(标准/特殊)调音
标准调音： E A D G B E
降全音： D G C F A D
降半音： Eb G# C# F# A# Eb
特殊调弦 0:58
特殊调弦举例：
open D： 从六弦到一弦调成了 D、A、D、F#(升F，在F和G之间的一个半音)、A、D 。 oepn D的空弦其实和标准调音的D和弦声音是一样的。
调音方法
就近原则 + 松左紧右
比如六弦从 E 调到 D ，比较近的应该向左调，也就是使琴弦松的方向调（音高降低）。
松一弦和二弦这样比较细的弦的时候要慢一点，尤其是弦用了很久有生锈的情况时，会由于张力的突然大幅度减小使琴弦断开。
注意：调其他的弦一定会影响到其他的弦，比如把三弦调松了，调好的其他弦都会变紧，至少要重新调整一轮，影响会降得越来越低。
打品 26：11，如果因为音高过低出现了打品的情况，则可以稍微调高一下弦距。
琴颈
顺时针旋转（3的方向、往一弦拧），琴颈会上凸，降低弦距。
逆时针旋转（2的方向、往六弦拧），琴颈会下凹，抬高弦距。
最后一次去知音琴行调整弦距的时候，因为共振弹二弦的时候六弦低品处会有点打品，因为六弦音最低震动幅度最大，要么就用标准音（不要降全音），要么就扭琴颈往六弦方向拧，我最后选择让师傅往六弦方向拧了90度，解决了这个问题。
后面如果想让弦距再低一点，可以往往一弦拧，最多拧90度，不能再多了。拧的过程中需要注意：琴弦无须全部放松，保持琴弦拉力，在调节的时候我们可以即时的看到效果。单次调节幅度不宜过大，以免对琴颈造成损害。
另：赶紧换琴。
乐理
主要学习视频基础乐理入门。
基础
吉他的音
调音器模式：G吉他、B贝斯、V小提琴、U尤克里里、C十二平均律。
在吉他模式下调音只会出现 E A D G B E 这几个字母。
在C调的情况下，如果使用音名来表示每一根琴弦的空弦音高，一把吉他的标准音高从粗线到细弦分别是：E A D G B E （音高从低到高，六弦最低，一弦最高）
这两张图很重要
音阶
高八度和低八度
越往右边音调越高，越往左边音调越低
六弦： E，简谱3，低音的Mi
五弦： A，简谱6，低音的La
四弦： D，简谱2，中音的Re
三弦： G，简谱5，中音的Sol
二弦： B，简谱7，中音的Si
一弦： E，简谱3，高音的Mi
各弦之间形成三，四度音程关系。简单地看几度音程关系可以这样看：看上图两个音高之间共包含了几个音高，如六弦E和五弦A之间包括了(E、F、G、A)则为四度音程关系，也可以通过计算(6-3+1=4)；再如五弦A和四弦D之间包括了(A、B、C、D)同样为四度音程关系，计算时四弦D应该是(7+2=9)，所以计算为(9-6+1=4)。在音程章节细说。
标准定弦的音高其实是：E2-A2-D3-G3-B3-E4
字母表示音名，数字表示所在八度（六弦E和五弦A是低音，四弦D、三弦G和二弦B是中音，一弦E是高音。还有倍低音和倍高音这两个八度），这种体系称为科学记谱法，这种记谱法为每一个音高指定了频率，如下：
音和音之间的全半音关系：
两个白键之间有黑键就是全音的关系，没有黑键则是半音的关系。
#表示升，b表示降。如1和2之间的黑键可以叫做升C或降D。
中间有半音的话，升音的过程会经过这个半音。
琴弦越短，音高越高。通过左手按弦，移动一个品格，就会增加音高一个半音。琴颈上一共有20个品格，也就是20个半音。
原声(acoustic guitar)吉他的音域接近四個八度音！
谱
五线谱有五根线，线上和线间都可以画音符，即五线四间可以画九个音符，还可以在五线上下加两根线，即上加一线、上加二线、下加一线、下加二线，还有上加一间、上加二间、下加一间、下加二间都可以画音符。
五线谱有高音谱号（拧的像麻花一样）和低音谱号，吉他用的主要是高音谱号，对应的叫高音谱表。
五线谱下加一线上的音是Do（1），上一个间的音符是Re（2），上一根线是Mi（3），上一个间是Fa（4），以此类推。可以快速找到八度的C大调音阶在五线谱的什么位置。
六线谱不是真正的乐谱，它没有告诉你正在弹的是什么音，只是告诉你左手右手该怎么操作，国际上通用的乐谱通常是六线谱加上五线谱的形式，国内标准通常是六线谱加上简谱的形式，简谱就是1234567。
简谱通过加高低音点来区分这个音所在的八度的（高音点在上面，低音点在下面，有低中高八度）。五线谱中是通过音符在五线谱中的高低位置来分辨音的高低的，这也是二者最大的区别。
打拍子 附点音符
一个全音符，两个二分音符，四个四分音符，八个八分音符··乘起来都是1，表示四拍，四拍就是四个段落。
休止就是只打拍子不演奏。
附点音符和音符一样都是用来描述音符的时值，也就是这个音符应该持续的时间。
1 2 5 6 分别是 Do Re Sol La，下划线，附点，横线等都是在描述每个音在一个拍中持续的时长，整个拍的时值是不会变的。
连音：
同音之间的连音有点像全音符5—，之所以这样的写法有可能是因为全音符这四拍被分成了两个小节，小节开头不能是横线，所以这样写，便于两个小节合并。
异音之间的连接要连贯一点，像是吸一口气演奏完。
切分节奏
带黄色*号的的是切分音，把这个音符给切开，跟前面或后面的音符组成一个四分音符也就是组成一拍，因为前面的拍号2/4表示这里四分音符为一拍，一个小节有两拍。整个小节就是切分节奏。
拍号 小节
在小节线后面的第一拍永远是强拍，在小节线前面的最后一拍永远是弱拍。
先读分母再读分子，如八三拍。
四二拍，四分音符为一拍，一个小节有两拍， 没有四分音符没关系，只要组合成四分音符就可以。
横线下面的点表示低音，右下角的点是附点。
强弱拍 弱起
四四拍相当于两个四二拍合在一起，但一个小节只能有一个强拍，所以第三个拍变成次强拍，改编曲子时可以把四四拍改成两个四二拍。
四四拍 比如 动次打次。
在每一个拍子中，前半拍都是强拍，后半拍都是弱拍，V的前一半是强拍，后一半是弱拍。
起：你看歌词从哪里开始就是从哪里起
单位拍弱起：05，休止符不唱，5要唱，5是在这个单位拍的弱拍上，这个拍从5开始也就是从弱拍开始，因此叫做单位拍弱起。
小节弱起：记得小节线前面一定是弱拍吗？所以5是上一个小节的弱拍，从5开始也就是弱拍起，所以是小节弱起。
小节弱起且弱拍起：看歌词(你问我爱你有多深 的 你)上面的八分音符05，05是上一个小节的弱拍（05在小节线前，是强、弱、次强、弱的最后一个弱），又是从05这个单位拍的弱拍（后半拍是弱拍）5起，所以是小节弱起且弱拍起。
反复记号
D.S 代表从记号处反复，最后一个标记符号配合其他的符号使用。
注释讲的不错。括号里的D.C表示这里讲D.C，所以第二种从头反复记号下面应该是D.C而不是D.S。第六种的符号就是龟跳符号。
音程
音程概念
自然音程
纯/小/大/增/减 几度，其中的几度是前面提到过的的度数，并不是单纯由音数决定。
规律：
2367只有大小。
1458只有纯(但是4、5还有增四减五)。
技巧：2、3的大小是小的有半音，6、7的大小是大的有半音。
增四减五音数3要记。
方法：
重点是知道几度，几度就用后减前+1来计算，比如根音是1，冠音是3，3-1+1=3，没半音，所以是大三度，真简单。
按照这个方法，纯一，纯八不用记，纯四<增四=音数3=减五<纯五，所以纯四音数为2.5，纯五音数为3.5，或者说4、5有半音的都是纯的。
音程的转位
下面的音是低音下方音（根音），上面的音是高音上方音（冠音）。转位是把在下面的根音提高一个纯八度放到原来冠音的上面。
转换前后的两组的音程是有规律的：度数和是9，并且一大一小，纯对纯，增对减，比如转位前是大三度，转位后就是小六度。
变化音和变化音程
变化音
变化音程
除了自然音程以外的都是变化音程。
增音程比纯音程、大音程都要大半个音数，减音程比纯音程、小音程还要小半个音数。
倍增音程比增音程还要大半个音数，倍减音程比减音程还要小半个音数。
如3-b4，是减二度，实际音高就是纯一度。(ps:3-bb4即倍减二度是不存在的)
如1-#7，是增七度，实际音高就是纯八度。(ps:1-x7即倍增七度是存在的)
引入等音程的概念：这俩音响效果完全一样（就是听起来实际音高一样），音数相同，唯一不同的是度数不同，也就是两个音之间包含的音级的数目不同，3-b4有3和4，度数是2，3-3度数只有3，度数是1。
和弦
分为三、七、九、挂留和弦。
三和弦
有三个音，能够按照三度关系依次排列。
如C和弦（1 3 5），以1为根音，三度为关系往上叠加。
常用三和弦有四种：
- 大三和弦，以C和弦为例（1 3 5），是大三度加小三度的组合，记作C或CM。
常用大三和弦有C（1 3 5），F（4 6 高音1），G（5 7 高音2） - 小三和弦，以Am和弦为例（6 高音1 高音3），小三度加大三度。
常用小三和弦有Am（6 高音1 高音3），Dm（2 4 6），Em（3 5 7） - 增三和弦，以Caug为例（1 3 #5），是大三度加大三度的组合。
- 减三和弦，以Cdim为例（1 b3 b5），是小三度加小三度的组合。常用减三和弦还有Bdim（7 高音2 高音4）。
增三和弦和减三和弦都很不协调，在乐曲中用的少，一般用的多的是大三和小三和弦。
七和弦
在三和弦的基础上加了一个根音的七度音（小七度或大七度）。
大三和弦主要有：C、F、G；小三和弦主要有Dm、Em、Am。
- 大大七和弦（简称大七和弦），比如C大七（1 3 5 7）是大三C和弦加一个根音的大七度，用CM7或Cmaj7表示。大三C和弦是C（1 3 5），加一个相对根音（1）的大七度（所以是1 7），合起来就是Cmajor7（1 3 5 7）。常用大大七和弦还有有：FM7/Fmaj7（4 6 高音1 高音3）。
- 大小七和弦（在调式中也被叫做属七和弦），是一个大三和弦加一个根音的小七度。 比如C7（1 3 5 b7），由大三C和弦加一个（1 b7，这是小七度）组成。常用大小七和弦还有G7（5 7 高音2 高音4）。
- 小大七和弦，由一个小三和弦如Dm加一个大七度组成如DmM7（2 4 6 #高音1），小大七和弦还有AmM7（6 高音1 高音3 #高音5），用的比较少。
- 小小七和弦（简称小七和弦），由一个小三度比如Dm加一个小七度组成Dm7（2 4 6 高音1），常见的还有Em7（3 5 7 高音2），Am7（6 高音1 高音3 高音5）。
- 减小七和弦，在减三和弦的基础上加了一个根音的小七度，比如Bdim（7 高音2 高音4）加一个小七度（7 高音6）组成Bdim7（7 高音2 高音4 高音6）。
- 减减七和弦（或者叫半减七），减三和弦加根音的减七度。
大大七和弦(大七和弦)、大小七和弦(属七和弦)和小小七和弦(小七和弦)用的比较多，要记住。名字中的大小就是大/小三和弦和大/小七度。如果用了大七度，则该七和弦的名字中有M7，用小七度只有7(小大七和弦那张图有错，以文字为准)。
和弦的转位
所谓转位就是把当前的最低音一个个升高纯八度后放到最上面，也成为了最高音。三和弦转位有两个，七和弦转位有四个。
以三和弦的大三C和弦为例，两种转位，这里1永远是根音，在第一种转位下也是高音。
三和弦转位命名的数字是：最低音到根音的度数(右下角)和最低音到最高音的度数(右上角)。第一种转位C6是因为根音和最高音都是 高音1。
吉他琴谱有时候会出现C/G，C/E的表示，这些都是表示C的转位，因为大三G和弦（5 7 高音2）的最低音是5，小三Em和弦（3 5 7）的最低音是3，所以C/G表示（5 高音1 高音3）即C的第二转位，C/E表示（3 5 高音1）即C的第一转位。
七和弦转位命名：当前转位最低音到七音的度数(右下角)和当前转位最低音到根音的度数(右上角)。其中七音是最开始的原位和弦中与最低音对应的那个音（二者差了七度），转位后七音不变。当然，根音就是原位和弦中的最低音，也不会变的。
以七和弦的大小七和弦(属七和弦) G7（5 7 高音2 高音4）为例，这里5永远是根音，原位和弦最低音是5，和高音4差了七度，所以4是七音。第一转位下的5和6就是这么来的。
第三转位纯一度就不写了，2写右上角或写旁边。
九和弦 挂留和弦
常见九和弦有C9（也叫属九和弦）和Cadd9。
C9和C7（属七和弦）类似，在属七和弦的基础上再加一个九度音（相对于根音，应该也是小九度音），就像C7（大小七和弦）是在大三和弦的基础上加一个小七度音（相对于根音）。
Cadd9不符合传统和弦的定义，是在C和弦的基础上直接外加了一个九度音（相对于根音）。
注意不要混淆C9和Cadd9。
挂留和弦一般指用二度音或纯四度音代替原来的三度音而排列组合成的和弦。
sus就是挂留的意思，常见的有：Dsus2，Dsus4，Csus2。
大三C和弦本来是（1 3 5），Csus2是用二度音代替三音变成了（1 2 5），用2去代替3；Csus4是用四度音去代替三度音，所以变成了（1 4 5）。
调与调式
调：调像是一首歌曲的音高吧，同一首歌旋律相同调不同，听起来也是差很多的。
唱歌跑调指的是伴奏和唱的高度就不是一个调，显得很别扭不协调
调式：
以一个音为核心，按照一定音程关系将不同音高的若干个乐音组织在一起构成一个有机体就叫做调式。
调式可以分为大调式和小调式，也可以分为自然、和声和旋律调。
比如C大调(C Major) 是一个从C音开始的自然大调，组成的音有 C D E F G A B 高音C，是一个没有升号和降号的调。
G大调则是以G为中心音的大调式，G自然大调音阶为 G A B C D E #F G。
调式体系包括大调与小调两种调式。根据主音(第一个音) 与其上方三度音的音程来分类，三级音为大三度者为大调式，三级音为小三度者为小调式（一般情况下）。调式自17世纪起在欧洲音乐中占重要地位，后也应用于其他地区。
自然大、小调式可以取自然音阶中任何一音为主音，分为：
- 自然大调式(亦称大音阶)：确定主音后按全音、全音、半音、全音、全音、全音、半音的顺序排列而得的调式音阶，这时半音位置在调式音阶的第3与第4、第7与第8音之间，其特点为：主音与其上方三度音、六度音、七度音构成大三度、大六度及大七度音程。
- 自然小调式(亦称小音阶)：确定主音后按全音、半音、全音、全音、半音、全音、全音的顺序排列而得的调式音阶，这时半音位置在调式音阶的第2与第3、第5与第6音之间。其特点为：主音与上方三度音、六度音、七度音构成小三度、小六度、小七度音程。
所有大调的中心音都是1 Do，即主音是Do，主和弦都是以Do为根音(这个很重要)。
自然大调没有任何的升降音，其他大调在某些音上有降音。
所有小调都是以6 La为中心，也就是La为主音，主和弦都是以La为开头。
自然小调没有任何的升降音，其他小调在某些音上有升音。
分辨是大调还是小调：
大调的第一个和弦一般是以大调大和弦为开头，比如C调是以C和弦为开头和结尾，也就是首尾呼应大调。小调一般是以小和弦开始，比如Am，Bm，Em开头，Am结束等。
小调一般以La 6为结束音，大调一般以Do 1为结束音，但开头的话不一定。
(看不懂)
和弦
吉他C大调和弦总结 写的不错
常见和弦图怎么看：竖线从左到右是六弦，五弦···一弦；从上到下看品格，分别是一品，二品···五品，相当于吉他竖起来正面面对你的时候你所看到的。
和弦图中弦上的数字表示用哪根手指按弦，数字1代表食指、2代表中指、3代表无名指、4代表小指，如果和弦图中有数字5或者字母T则代表大拇指。
最上方有叉和圆圈，圆圈代表有可能会发音，叉代表不管什么情况下，这个和弦的这根弦都不能发音。如果六弦上打叉了，可以用大拇指轻触它，即使不小心碰到也只能发出哑音。
有的和弦会有简化版。
如下图所示：
下图是另一种和弦图的表示方法，该方法以六线谱的形式(从上往下分别是一弦、二弦···六弦)表现和弦的按法。
指弹
击弦
四弦的空弦和四弦的二品之间有一个圆弧线（连音线），上方有一个h. ,说明需要一个击弦。
先右手拨一个四弦的空弦，也就是0，然后用左手重重的敲击四弦的二品产生了第二个音2。击准了，别击到指甲缝里，也别击错。
勾弦
在发生勾弦关系的前后音之间有一个在上方的连音线，在这两个音的上方有一个p. 。
勾弦第一个音都是右手去拨一个非空弦，然后用左手手指上的肉去勾动那根弦（左手本来是按着品位的），往下往后勾动让它产生第二个音，这个音也就是该弦空弦的音。
如果是勾一弦以外的弦，勾的角度就要有所变化，可以手指接近平行往掌心勾，不要碰到其他弦。
拍扫
吉他首先要垂直右大腿，拍的时候右手大鱼际碰到弦就碰到吧，但不要打到板。可以用中指和无名指扫弦，也可以不扫，手腕转动时让中指弹到你要弹的弦。如果只要弹一根弦最好用这种方法，扫弦容易扫到其它的弦，可能需要用手指闷住。我先采用后一种方法，让中指弹弦，这样准度比较高，用的手指越多越容易碰到其他弦。注意，弹弦的时侯，中指要往吉他偏一点，因为 这时候吉他垂直大腿，不偏一点中指会空的或者打到一弦，扫弦时也一样。左手指一定要垂直一点，不然会碰到其他弦，用指尖按弦，是有一定斜度的要靠近品丝，不要越来越往品格中间跑。
右手不认真不稍微用点力的话，很容易弹错点。右手还需要注意，不要太过贴近于琴弦，需要浮在琴弦上一定高度的，就是摆姿势那个高度，这样右手才不会一直弹错，还有就是，拍弹最好通过手腕的转动，配合中指来击弦，不要太用力，适中就好。还有右手四根手指弹弦要往手心弹，这不是废话，总之右手手型挺重要的，不然一直碰到其他弦。
吉他顶着胸口，这是有必要的
kick and the snare(军鼓)
X”表示拇指拍打（军鼓音符）可以指拍弦 也可以指大拇指拍面板
两种最常见的打击乐技巧——踢击和军鼓。
图片中，红色箭头指向kick名称，蓝色箭头指向军鼓名称。
在我以前的安排中，我曾经将kick表示为水平括号（左图），
但现在我在 Guitar Pro 中为打击乐(percussion)编写单独的鼓轨道（右图）
五线谱/六线谱/打击乐轨
腕击/拇指制音六弦或五弦/拇指骨头击打音孔上方(军鼓)
大横按
无论是大横按还是小横按，手指的机能方面（手指是否有力量）很重要。但最重要的还是正确的方法和技巧，这更有助于你长期、高效、健康的练琴。力量VS重力如果完全使用手指对捏的力量，在初学阶段和后期有大量需要横按演奏的时候，会让你的手指和虎口处肌肉过度紧张。直接后果就是肌肉酸痛，无法继续保持好的演奏状态。长期下去甚至会不利于手指的健康。具体方法看下面这张图：
学会借力，利用手臂和手肘的重量，把重力转换成手指的压力。适当解放拇指在琴颈后方的力量，让拇指的作用成为一个支点，而不是主要发力点。感受一下其中力量的传递。
大横按怎么按起来轻松
讲的很好
更深层的乐理
调
首调唱名法：
任何一个大调音阶，其第一个音到第八个音的依次间隔应该和C大调相同。我们唱起来应该感觉音程距离相同，只是音高有所不同。 无论什么大调，都依照C大调各音阶的唱名，将第一个音唱成Do,第二个音唱成Re…这种唱法称为“首调唱名法”。
调式是指：以一个音为主音（最重要的音，也就是第一个音），其他各音按照一定的度数关系排列形成的音列（音按照高低顺序的排列）。
C大调、C小调属于自然大调，自然小调。属于七声调式（由七个音构成的调式）。
这两种调式是“中古调式”里的其中两种，是西方几百年历史中，使用最多的两种调式。
不同调式的区别主要表现在两点：
第一：构成音数目的不同
第二：音与音之间是按照不同度数关系排列的。
由于自然大调与自然小调都属于七声调式，所以区别主要体现在后面一点上。
C大调的全称是：以C为主音（第一个音）构成的自然大调。
C小调的全称是：以C为主音（第一个音）构成的自然小调。
那么自然大调的度数排列规定为：
……I II III IV V VI VII I……
全 全 半 全 全 全 半
C D E F G A B C
那么自然小调的度数排列规定为：
……I II III IV V VI VII I……
全 半 全 全 半 全 全
C D 降E F G 降A 降B C
可见度数关系的不同，调式的构成音也会不同。
在听觉上，小调的感觉为阴暗，悲伤；大调为明亮，平和。
大调与小调的区别主要体现在调式上，也就是音阶中音级之间的关系不同。比如说大调，举我们都熟悉的例子——C大调，音阶是do re mi fa so la ti do，他们之间的音程关系是，全音-全音-半音-全音-全音-全音-半音。换一个主音试试，G大调，还按这个关系，那么就是so la ti do re mi #fa so。
c大调就是do re mi fa so la ti do 也就是CDEFGABC
C小调是C D 降E F G 降A 降B C ，C小调实际上是降E大调(的移位)，用音程关系看。
教会调式（Gregorian mode或church mode），即中古调式，为中世纪罗马教会统治欧洲时期的音乐所使用的调式，后来的人们称做“教会调式体系”。这些调式有一个共同特点：音阶由七个音构成，全部都是自然音，没有变化音，因此也称作“自然调式体系”。
自然大调（经常简称为大调），即教会调式中的伊奥尼安调式（Ionian），是调式的一种。自然大调包含七个音符，在首调唱名中分别是Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si（或Ti）。C大调是大调中最“简单”的一个调性，因为它是唯一一个没有任何升号（♯）和降号（♭）的大调，在钢琴中只需弹奏白键。
比某个大调低小三度的小调，称为该大调的关系小调。C大调的关系小调是a小调，并行小调是c小调。
自然大调中的音符从主音开始，按照音高依次为主音、上主音、中音、下属音、属音、下中音和下主音，也可以称作主音、二级音、三级音、四级音等等。除了中音和下属音，下主音和主音之间是小二度，其他相邻两音之间都是大二度。结构为：“全音、全音、半音、全音、全音、全音、半音”。
共有七种带升号的大调，分别有一至七个升号。将某个带升号大调的属音作为主音，即构成比它增加一个升号的大调。在调性标记中的升号(最左边的符合)就是按照这种顺序排列的。
共有七种带降号的大调，分别有一至七个降号。将某个带降号大调的下属音作为主音，即构成比它增加一个降号的大调。在调性标记中的降号就是按照这种顺序排列的。
常用七大调是指调号(调性标记中的升、降号)不超过三个升降号（包括没有升降号）的七个大调，包括C大调、G大调、F大调、D大调、降B大调、A大调、降E大调。
亦可以使用“五度圈”分辨各种大调，右边为有升号的大调，左边为有降号的大调。顺时针方向是每一次升纯五度（如C的顺时针方向下一个是G），逆时针方向是每一次降纯五度（如C的逆时针方向下一个是F）。
Major是大调的意思，Minor是小调的意思。在西方音乐中，minor调式包括自然小调、和声小调和旋律小调，它们都有不同的和声结构和音阶模式。通常情况下，使用“m”来表示一个和弦是小调的，例如Am表示A minor，Em表示E minor等。
弹琴
降一个全音
AB CDEFGAB ， EF，BC是半音关系
E A D G B E
降一个全音
D G C F A D
四弦自然泛音七品，然后是人工泛音19品
泛音要弹得又快又轻，无名指按要果断一点，指头要立正有力，不然很容易按错
这里的弹法是：弹七再弹五，勾五弦到空弦，再弹七
其它的也可以类似这么弹，如果觉得琴谱的弹法比较难的话
这样难度会更大，而且钩弦的响度不够，不好听。可以去看看原视频作者咋弹的。这里的一弦的×代表是用无名指向下打响
这个需要慢慢找感觉了，本质的确是拍扫，只不过“扫”只能扫一根弦。有事没事就可以弹53231323，只不过123弦不是正常弹琴的“勾”，而是“向下打”。可以找几个节奏练，比如 5打2打1打2打、53打313打3、5323打323
看自己习惯吧，对于单根弦的旋律音，我固定是无名指打1弦，中指打2弦，食指打3或者4弦
小指（或无名指按个人喜好）按住一线8品食指同时按住一线5品弹响第一个音–5品的食指别松 小指（或无名指）勾线出第二个音，5品的食指勾响空线出第三个音。后面的小节一样的手法，这三个音有连音记号 就是弹响第一个音后面的两个音要靠击勾线弹出来。不需要按照eiro的视频弹，他的视频和谱子有几个细节不一样的，而且视频里的音频后期过，我们不可能弹出来一模一样的，他星际穿越那个视频最后那个琶音不是一把吉他完成的，我的也不是一把吉他完成的，刚开始没觉得，后来自己录音的时候发现了，自己才录了第二个和声。
手指独立性要多练，没办法，你可以试试无名指勾，还有左手大拇指不要太靠上，除非你要用左手大拇指反扣6弦，其他时候尽量靠在琴颈中间，左手手腕不要太僵硬，所谓的拍扫其实是为了保证伴奏音的同时突出旋律音，所以你要知道那一拍的旋律音在哪根线，只需要保证能中指食指击打出那个音就行，其他的弦没打到也没有关系。但不能有其他的杂音，理论就是这样，弹琴时多想，不用纠结到底是那跟手指怎么弹，没有明文规定，这不是搞科研，很多大师姿势都不是所谓的标准姿势，标准姿势只是个参考。。。总之多思考。能发出你想要的音就行，哪怕你用脚弹都行。
客气了，相互学习一起进步
我也是自学的，之前我也喜欢扣细节，希望跟大师们手型一样，后来发现与自己学琴的目的背道而驰了，反而是一中折磨，曲目弹出来只要能达到你想要的声音就行了，形式真的无所谓，我的思维是这样的：确定你想要的声音——怎么实现它——怎么实现最方便（或者说省力）——实现后怎么换把位最方便以及优化你的指法手型等。
录音
设备
声卡至少需要两进两处的通道数量，这样就可以插两组麦克风进行立体声的拾音。
录视频
拍扫的动作好丑，大拇指动作不能太大，不然会很丑的。
Cubase
DAW（Digital Audio Workstation），即数字音频工作站——是一种用于录音、混音、音频剪辑以及数字音频处理的软件。
创建单声道和立体声的音频轨
单声道音频一定是单声道效果，立体声音频不一定是立体声效果(有可能听上去是单声道效果，只是音频轨里有两个一样的波形，即伪立体声)。
单声道是左右两边声音一模一样，立体声是左右两边声音不一样。
那伪立体声怎么得到的呢？即单声道音频以立体声的格式导出，就有上下两个波形了。伪立体声在软件中视为立体声，因为软件只认波形。
导入音频时可以分割通道，再用推子中的平衡声像器将两个音频分别推到左右就能明显听出来，也可以用声场软件来检测。
操作
电容麦中还有一个放大器，需要电源供电才能工作。但由于麦克风体积的原因，这个电源通常都被设计成外接式，称之为“幻象电源 Phantom Power”。
从品质上比较：动圈式麦克风的中、低音相对温和饱满，高频相对不足，一般能比较好的抑制环境噪音；电容式麦克风的三频比较均衡，特别是高音细节表现比动圈麦好很多，同时灵敏度高，环境噪音稍大就可以被录进去。
正常电平保持在 -20 到 -12 dB之间。最高峰值一般不要超过 -6 dB
通常距离麦克风越近，信号里的低频就越丰满，但靠得太近也易导致低音变形失真。建议距离在 25 cm左右。最好安装防喷网，以避免爆音。
声道 Channels：单声道 Mono通常指的是单一的输入信号源；立体声 Stereo指的是两个输入信号源。
下面三个都在如何提高你的吉他视频质量（2）音频处理
音频处理
降噪 通常十几十几的降，多降几次，要选择整个文件
标准化振幅，将信号放到0db，可以选一段进行放大的
合并处理音频最好在多轨里面做
右键拆分或者ctrl k
EQ：针对于频段，低频、中频、高频、超高频
压缩：服务于音量的大小和声音的“润色、美化”，尤其是对于带有打板技巧的指弹曲
混响：增强空间感、美化声音
延迟：使得音频更加的活跃、动感、精神也可以说是特效，也可以使得音频有空间感
立体声：对于音频的立体声起到非常好的作用，尤其是跟混响、延迟搭配起来，就可以达到你们喜欢的空灵感觉
音量最大化：每个人的版本不一样，我个人就喜欢他的“在尽量不损失音质的情况下提升音量”
在效果链中，EQ和压缩没有固定的位置，可以直接放在前头，而混响放在末端比较合适
混响
mix 混音量
gravity 混音比重，想要混响感觉多一点还是少一点
size 混响模拟空间的大小，越大空间感越庞大
predelay 预延时，不开的话就是一弹的一瞬间就有混响了，开的话就是指定时间后出现混响，这样声音更清晰
low/high 低高音混响量
调这俩时可以先把mix拉大
moddepth 调制深度
modrate 调制频率 右边复古，左边会亮一点
这俩相当于调制音色，其实主要是调这俩
用Fab的Pro-R
EQ
在fx里面有一些开关，是串联的，先开一个参数均衡器（EQ）
- HP 32HZ
- LP 20KHZ
- 500HZ左右 -3.5dB能让声音清晰一点
- 低频重容易昏头 可以用2 在105HZ左右拉-3.9dB Q3.4
其实具体大小看情况自己调
这玩意是AU自带的图形均衡器，这些参数应该是有自己的意义的，没事的时候可以这几个频率试试看什么感觉
每个地方多调调听听看，一般很少往上提的，都是往下拉，把不喜欢的声音去掉。
点不要太多
用Fab的Pro-Q3
压缩
压缩很重要，可以降低很大的声音，提高很小的声音，相当于平衡曲子的动态范围，对打板的曲子很重要，因为打板的声音太大了，压缩后就很棒。
用Fab的Pro-C2
外面一圈浓一点的白色线是压缩后的音量电平，里面灰色线是压缩前的电平。
threthold 阈值，往左边的话压缩量就很大，即便高潮也变得平平无奇了
通常在讨论压缩器的时候，会有6个参数，4个与效果相关，两个与时间相关。这里先讲效果相关的4个参数：
门限Threshold
压缩比Ratio
提升Make up
拐点Knee
Threshold门限，就是压缩器的工作起点。只有当电平超过门限后，压缩器才会开始工作。我们假设此时将压缩器的门限设置为-20，当设置的很小时就会压缩的很狠。
Ratio压缩比，就是压缩器以什么样的量来压缩超过门限的电平。如下图，此时将压缩器的压缩比设置为2:1，音量关系就会变成下图。（应该就是你要以多大的比例来压过大的音量）
横轴是压缩前的电平，竖轴是压缩后的电平
黑线的部分是压缩器未工作时的电平曲线，红线则是按门限-20、压缩比2:1设定时的电平曲线。可以看到，在高于门限之后，电平被以2:1的比率被压缩了：在-20的门限以上，处理前的信号达到0的时候，处理后的信号只有-10.
Knee拐点，指的是在门限上下交界的地方，是以一种非黑即白的方式压缩，还是有一条渐进的曲线连接起压缩与不压缩的区间（下图绿线）。
Knee的值较大，拐点越不明显，我们一般称之为软拐点，能够使压缩与未压缩的声音部分区别比较小，比较不留痕迹。
Make up提升，是将电平整体提升。因为压缩在工作的过程中的原理是将高于门限的电平压低，因此肯定会不可避免地降低整体的音量。为了让音量的平均值恢复到原本的听觉水平甚至更高，我们就要使用Make up 将所有电平共同提升。（图中蓝线）
除了上面四个参数，还有两个参数，Attack启动时间 和 Release释放时间
这是一个声音的音量包络波形，也就是我们录进DAW时看的波形：很快的起振，相对长一些的衰减，没有sustain，比较接近一个鼓声(打板)的波形图。虚线为我们设定的压缩器门限，此时压缩器还没有起作用。
当我们把压缩器的attack设为0（极快），release设为极快的时候，波形与压缩器的动作就形成了下面这样：
压缩器的动作与声音几乎同步。在这种情况下，音量能够被非常好地控制住，但是鼓声听起来一方面会比较不自然，而且这么快的release很容易在门限的地方产生抽吸效应。如果鼓声比较大，或者乐器不复杂的时候，会被很明显地听出来。
如果是稍慢的attack与release的情况，就如下面这张图
在这种压缩器设定下，鼓声中最明显的鼓皮起振的声音能够被不太受影响地放出来，听起来会自然很多。而且鼓声减弱下去的时候，较长的release也能保证鼓声在门限交接处的痕迹不会太大。
这仅仅是两种不同设定组成的情况，没有对或错，在实际应用中需要分具体情境使用，并不是鼓声的音头一定要放出来，有一些需要比较硬核的鼓声的时候就是要把鼓声从头到尾压死(第一种用法，双极快挺不错的)，来达到一种类似振聋发聩的效果。
attack就是往下压的速度，小的话(attack极快)就是瞬间往下压。就是压缩器波形左边的部分。
release就是释放的速度，时间小释放的快，时间大就是释放的慢，则压缩器的效果回复的时间更长，就是压缩器波形右边的部分。
木吉他扫弦压缩起始时间(Attack)选择稍微慢一点，保留扫弦音头特点
Pro-MB 动态压缩，就是某个频段多的时候才去压它
完善
AU导出最后结果的时候，右键要导出的剪辑，选择混音会话为新建文件，这样才能进入波形界面，此时能够再次进行振幅标准化(AU导出时为了保护会减小振幅)，注意，这样的结果是带混音的。也就是说，如果不是导出最终结果，而是还要继续进行剪辑的中间结果，记得把fx关掉，此时可以直接在文件->导出->多轨混音..或者右键要导出的剪辑，选择导出缩混，这俩是一样的，和上面那个也类似，就是没法再标准化振幅了。记得中间结果一定要关掉混音fx再导出，否则有可能多次混音。
后期
- 录一版较好的，再录一些同时间同状态的素材(这样能尽量让声音接近，减少剪辑痕迹)，将这些缩混导出来到test多轨里面(注意不要标准化)，拼接剪辑完成。
- 之后才能进行标准化振幅，混音等流程。
视频
左前方 左前方近景 右前方
副歌1：左前方 左前方近景
副歌2：左前方 左前方近景 右前方
课程
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提要
“Bar” 指的就是小节。
它和 “Measure” (小节) 这个词在音乐术语中是完全同义的，都指的是乐谱上被两条竖线（Bar lines / 小节线）分隔开的、包含固定拍数的音乐单元。
Intro (引子 / 前奏)
功能： 歌曲的开头部分。它的作用是建立歌曲的氛围、调性、速度，并“引出”接下来的主歌。有时候，前奏会使用一个即将出现的主旋律（Riff）或和弦进行。
Verse (主歌)
功能： 这是歌曲中“讲故事”的部分。通常一首歌里有多段主歌（Verse 1, Verse 2…），每一段的歌词都不同，用以推动故事情节或情绪的发展。它的旋律相对平稳，为高潮做铺垫。
Chorus (副歌)
功能： 这是一首歌的核心和高潮。副歌是整首歌里最抓耳、最令人印象深刻的部分，旋律和歌词通常在每次出现时都保持一致（或基本一致）。它总结了歌曲的主题思想或核心情感。
Bridge (桥段)
功能： 这是一个“变化”的部分。它通常只在歌曲中后段出现一次，用来打破“主歌-副歌”的循环模式。桥段会在旋律、和弦或节奏上提供一种新的对比感，制造出新的张力，然后再引回到最后一次（通常是更激昂的）副歌。
Outro (尾奏)
功能： 歌曲的结尾部分。它负责收尾，让歌曲平稳地结束。尾奏可以是通过重复副歌或主旋律并逐渐减弱音量（Fade Out），也可以是一段全新的乐器独奏（Solo）来结尾。
Intro – 1/2
这是引子（Intro）的前半部分，它由一个在第 1、2、3 弦上演奏的琶音组成。这个琶音的演奏速度相当快，但带有一种自由、“漂浮”的感觉——伴随着平滑的加速和减速。
这部分对左手和右手来说都可能有挑战性。对于右手，重要的是单独练习手指的运动，以确保（拨弦）平滑且均匀的交替——就像一个轮子在转动一样。不应该有明显的“奔马音”、”Shuffle”（摇摆）或“三连音”的感觉——否则，这一乐段听起来会很不均匀且很笨拙。
我建议使用大拇指拨 3 弦，食指拨 2 弦，中指拨 1 弦。每个小节包含四个重复的三音组（9-8-7, 9-8-7, 9-8-7, 9-8-7…）。
在快速演奏时，很容易跟丢（重复的）次数，尤其是在有微妙速度变化的情况下。为了简单起见，请尝试依据 1 弦来计算重复次数——因为它承载着最高的音符，所以用耳朵更容易捕捉到。你甚至可以用一个小小的重音来轻微地强调它——这将使你更容易保持方位感（不迷失乐句）。
现在说左手。在第 3 小节，有一个跨两根弦的小横按（mini barre）：食指在第 7 品同时按住 1 弦和 2 弦。为了避免在第 2 小节过渡过来时出现磕绊，最好从第 1 小节开始就提前将食指放到这个位置。所以，从一开始，就用食指按住这两根弦（7 品的小横按），然后将中指按在它上方的第 8 品。接着弹完第 2 小节，在第 3 小节开始时，只需抬起中指。这样能确保尽可能平滑、无缝的过渡。
从第 4 小节到第 5 小节的过渡就不会那么平滑了，所以这部分需要练习以建立肌肉记忆。然而，这里也并非真的需要绝对的平滑，因为一个轻微但急促的减速（随后再加速）听起来会很自然，并且有助于使转换更容易。
同样的情况也适用于第 8 小节到第 9 小节的过渡——突然的减速和加速在这里效果也很好。您可能需要在食指和无名指之间的手指伸展（扩指）上稍下功夫。
在第 12 小节，您将演奏三次重复而不是四次，并在接近结尾时逐渐减速。然后在第 13 小节有一个停顿，随后是引子的后半部分——主题旋律。
所有这些细节（nuances）都会在下面的视频中详细演示。
作为第 13 小节的打击乐加花 (percussive fill)，您可以使用响指（finger snaps），或者像六线谱 (tablature) 中显示的那样，在闷音的琴弦上进行两次扫弦（一次下扫，一次上扫）：
Intro – 2/2
现在我们来学习主 riff（乐段）。
它并不是特别难，但遵循一些基本的演奏规则很重要——即正确的指法和对不需要的空弦进行闷音。左手指法已通过音符旁的数字标出，所以您在这方面应该不会有任何问题。
至于多余琴弦的闷音，主要关注点是第 14 小节的第 6 弦空弦——在拨动第 6 弦之后，紧接着就要演奏第 4 弦。如果第 6 弦没有被及时闷掉，声音就会变得浑浊。您可以用左手一个未使用的手指（通常无名指效果最好）轻轻触碰第 6 弦来将其闷音。就在您切换和弦时，将手指轻轻地放在琴弦上。或者，如果您在弹奏时会用到左手大拇指，您也可以用它来闷掉第 6 弦。您还可以用右手手掌的边缘来闷音：
在第 15、17 和 19 小节，您可能需要单独练习从 B 和弦（2-4-4 品）到下一小节 C 和弦（第 3 品）的转换。这个变换要求在不破坏节奏的情况下，快速切换到一个完全不同的手指位置。在第 17 和 19 小节，您的左手还需要一点手指的伸展（扩指）。
至于打击乐技巧 (percussion)，在这一部分以及进入副歌 (chorus) 之前的后续部分中，我们只使用了在第 6 弦或第 5 弦上的大拇指敲击 (thumb slap)。这种敲击不应该太尖锐或太大声——试着让它尽可能柔和且受控制。
正如我在简介中提到的，这个迷你课程不会详细解释打击乐技巧，因为把它们放在一个单独的课程中进行全面讲解会更有意义。为此，我确实有一门专门的课程，名为《Essential Fingerstyle Percussion》（指弹吉他打击乐技巧精要）。但是，如果您现在不打算学习那门课程，那么在演奏打击乐部分时，只需尽力模仿我的手指动作和手部位置即可。我已经在视频中尽我所能将所有内容展示得足够清晰了。
Verse 1
这一部分在节奏上可能会感觉有点棘手，因为它运用了大量的**切分节奏 (syncopation)——即重音从强拍转移到了弱拍上。掌握这种节奏最简单的方法，就是在视频里跟着我一起弹。仔细聆听，注意音符的时值 (durations)**，并努力尽可能准确地模仿它们。
从技术角度来看，有以下几点需要注意：
在第 22 小节，注意要弹出一个干净的过渡，即从第 6 弦空弦音过渡到第 5 弦的第 5 品。重点在于：在您拨响第 5 弦的那一刻，就要（及时）闷掉第 6 弦——否则，声音会变得很浑浊。此外，在这一小节的末尾，您可能需要单独练习从第 2 品到第 4 品的上行连奏 (ascending legato)（即击弦 hammer-on）——这个动作是在一个不太自在的手型下完成的。
在第 28 小节的中间，您会遇到装饰音 (grace notes)——它们是在主音符前快速弹奏的装饰性音符。在这里，它们是通过同时在两根弦（第 3 弦和第 5 弦）上进行滑弦 (slides) 来演奏的。您需要将手指从一个品格滑到另一个品格，期间手指不能离开琴弦。尝试在这样做的时候不要移动（左手）大拇指——只有按弦的手指需要移动。我在视频中详细讲解了这个片段。
Verse 2
这第二段主歌（Verse）遵循了与第一段相同的结构，但旋律明显不同。在节奏上，它要稍微复杂一些，可能需要花费更多时间来完全掌握并记住正确的节奏时机 (timing)。
在这里，最有效的方法就是跟着视频聆听并重复（跟弹）。把视频慢放、倒带、暂停，然后通过一遍又一遍地弹奏来练习，直到你的手指自然地“记住”这个节奏。
Chorus 1
副歌（Chorus）可能是这首歌中最具挑战性的部分。主要的困难在于双手的灵活性：左手有频繁且快速的把位变换，而右手则结合了打击乐技巧——大拇指敲击 (thumb slaps) 和手腕击打 (wrist kicks)。
但别担心——副歌只有 7 个小节长，而且其中有两个小节是用开放和弦（空弦和弦）弹奏的。一旦你掌握了这段副歌，你也就学会了接下来的两段，因为它们几乎完全相同。
第 38 小节以一个结合了手腕击打的指甲扫弦 (nail stroke) 开始。试着准确地扫过四根弦——从第 6 弦到第 3 弦——要避开第 2 弦，但仍然要扫到第 3 弦。这将使和弦的声音更接近原版。
接着是两根弦上的音程（三度音程）：第一对音程是通过从第 3 品滑弦 (slide) 到第 5 品来弹奏的，而接下来在第 7 品上的音程只需简单地重复两次。起初，这部分可能看起来很棘手，但通过练习，你将建立起必要的肌肉记忆，它就不再是个问题了。
同时也要注意那个更靠近大拇指敲击的“快速”手腕击打——在这里要争取获得一个干净且均匀的节奏。
在第 38 小节的最后，有一个从第 8 品到第 10 品的连奏 (legato)。你在这里的无名指和小指之间可能需要一点手指伸展（扩指）。此外，提前开始将中指放在第 6 弦上，也有助于平稳地过渡到第 39 小节。
在第 39 小节的末尾，当你弹奏大拇指敲击时（在第 7 品的 3 弦和第 8 品的 2 弦上），请确保不要碰到第 4 弦的空弦——否则声音会很杂乱。最好是用你左手的中指来闷掉那根弦。
在第 40 小节，花点时间练习那个跨越三根弦的装饰音滑弦 (grace note slide)（从第 6 品滑到第 7 品）。它是在用食指按住一个小横按 (mini-barre) 的同时弹奏的。
第 41 小节也以一个小横按开始，这一次是在第 5 品。
在第 42 小节，有一个棘手的组合：一次快速的连续两次手腕击打 (double wrist kick)，紧接着一次大拇指敲击。努力让这个节奏变得平滑且均匀。
第 44 小节再次出现了装饰音：首先是一个击弦 (hammer-on)，然后是一个勾弦 (pull-off)（从第 11 品勾到第 10 品）。这部分更棘手，因为你需要同时按住一个在第 7 品的横按和弦 (barre chord)。最好是把它单独拿出来练习。
在第 45 小节的末尾，出现了一个新的打击乐元素——用大拇指在琴弦上方的琴体上进行一次轻巧的敲击。我在视频中清楚地展示了这个技巧；它很简单，应该不难掌握。
Verse 3
这首歌中的每一段主歌 (Verse) 都有其独特的旋律和节奏，尽管它们都遵循相同的和弦进行并且共享一些重复的乐句。
这一段主歌可以说是最具挑战性的。它不仅有切分节奏 (syncopated rhythm) 和打击乐技巧 (percussive techniques)——大拇指敲击 (thumb slap) 和手腕击打 (wrist kick)——还有各种连奏 (legato) 元素：滑弦 (slides)、击弦 (hammer-ons) 和勾弦 (pull-offs)（即上行和下行连奏）。
在第 46 小节，这一组音 (0–2–4–5–4) 完全是用左手弹奏的。右手只拨第一个音——第 3 弦的空弦音——从那里开始，乐句以一个到第 2 品的击弦 (hammer-on) 继续，然后用同一个中指滑弦 (slide) 到第 4 品，再到第 5 品，最后滑回第 4 品。为了防止音符过快衰减并保持良好的音量，您应该：
- 用足够的力量拨响空弦；
- 用快速而坚定的动作完成击弦；
- 每一次滑弦都要清晰而自信，始终保持对琴弦的坚实压力。
第 47 小节以一个勾弦 (pull-off) 开始，从前一小节的第 4 品勾到第 2 品，同时结合一次手腕击打 (wrist kick) 和一次在第 5 弦上的大拇指拨弦。这个动作需要双手的高度协调——我在视频中会详细讲解这一部分。
第 48 小节也包含一个连奏乐句，不过技术上稍简单一些：一个快速的滑弦装饰音 (slide grace note) 引出一个用无名指在第 5 品的击弦 (hammer-on)，这简化了左手的工作。
从那里开始，您应该不会遇到太大的困难。
在第 53 小节的末尾，有一个打击乐间歇 (percussive break)：三次闷音扫弦 (muted strums)——下、上、上。随后，下一小节以一个强力的向下扫弦 (downstroke) 开始，进入第二段副歌 (chorus)。
Chorus 2 and transition to the bridge
如前所述，这个编曲版本中的副歌 (choruses) 几乎是完全相同的，所以在本课中，我们将不再重复讲解第 60 小节之前的部分——它和第一段副歌是完全一样的。
然而，从第 60 小节开始，出现了一些差异。这里的第二个和弦（7, 0, 8 品）要弹奏成断音 (staccato)——意思是它短促且跳跃。在该小节的末尾，有一个棘手的地方：就在大拇指敲击 (thumb slap) 之前，有一个**装饰音滑弦 (grace note slide)（从 11 品滑到 10 品），而在敲击之后，立刻要弹奏第 6 弦上的低音 (bass note)**，并紧接着弹出第 2 弦上的旋律音。这个片段值得单独拿出来练习。
在第 61 小节，请确保及时闷掉第 6 弦的空弦音——不要让它在第 4 弦空弦音之上继续鸣响。
在第 62 小节末尾和第 63 小节，您会遇到一个听起来像是扫弦 (strumming) 与打击乐 (percussion) 相结合的段落。只要您保持正确的扫弦方向——根据需要向下或向上扫——它在技术上并不难。
第 64 小节有一系列的滑弦，并且最后一个音（一个空弦音）是在进行大拇指敲击的同时，通过一个从第 2 品开始的勾弦 (pull-off) 弹奏出来的。像这样的段落最好先用非常慢的速度来练习。
Bridge
在这一个乐段，主要的挑战在于对右手大拇指的主动运用。左手主要是在开放和弦 (open chords) 和小横按 (mini-barre) 指型之间交替。你可能还需要使用节拍器单独练习节奏，但这必须是在你完全掌握了所有动作之后。如果教学材料在技术上仍有挑战或者还没有练习到位，请不要尝试跟着节拍器弹。
在第 69 小节（接近末尾处），注意手腕击打 (wrist kick) 那个“切分”的节奏（即不在正拍上）。
在第 71 和 73 小节，当你在第 4 弦上弹奏装饰音滑弦 (grace-note slide)（从第 3 品滑到第 4 品）时，请确保闷掉 (mute) 紧邻其前弹奏的第 3 弦空弦音。否则，这组音符的组合听起来会不太悦耳。你可以用按住第 6 弦的食指的指节（phalanx）去轻轻触碰它来进行闷音。
另外请注意，在第 71 小节，这组切分（不在正拍上）的音符 (2–X–2–0) 是在小节的末尾弹奏的，而在第 73 小节，它们则出现在小节的中间 (2–X–3–0)。
Verse 4
这可能是这首歌中技术上最简单的主歌 (verse) 部分。
这里没有打击乐技巧（除了最后一小节），也没有任何特别复杂的节奏或指法。整个乐段都是以一种平静、放松的方式来演奏的。
然而，你可以在力度动态 (dynamics) 上做些实验：通过将（右手）手移近**琴桥 (bridge)，将一些部分弹得更响、更富有表现力；再通过将手移近琴颈 (neck)**，将另一些部分弹得更柔和、更轻柔。
Verse 5
这一个主歌（Verse）没有什么大难度：唯一用到的打击乐技巧是大拇指敲击 (thumb slap)，左手有一些简单的连奏 (legato)，并且乐段以自然泛音 (natural harmonics) 结束。
此外，这里还有一段新旋律，与前面的略有不同，你只需要把它记住即可（如果你熟悉这首歌的歌词，记起来会容易得多）。
在第 87 小节，第一次大拇指敲击是与一个由击弦 (hammer-on) 产生的音符同时弹奏的。在这里你可能需要稍加练习双手的协调性。重点是，在第 4 品上的击弦和大拇指敲击必须在同一确切时刻发生，不能“分裂”开。
在第 88 小节，出现了一段新旋律（在原曲中是由口琴在背景里演奏的）。在这里，强烈建议你使用记谱（notation）中音符旁标示的准确的左手指法——它们是最舒适的，并且将帮助你平滑、干净地弹奏这个片段。
在第 90-91 小节，你将弹奏自然泛音——通过在指定品格（<7>、<12> 等）的正上方轻触空弦（open string）来实现。为了获得饱满的鸣响，请在金属品丝 (fret wire) 的正上方（而不是它前面）精准地触碰琴弦，并在拨响音符后立即松开手指，这样才不会闷掉振动，尤其是在较细的琴弦上。
Chorus 3
到第 98 小节为止的整个乐段，完全重复了前面两段副歌，所以我们就不再复习了。
在第 98 小节，（与前一段副歌）仅有一处不同——在大拇指敲击 (thumb slap) 之前的第二个和弦 (7, 0, 8 品)，其时值保持得稍长一些（就像在第一段副歌中那样）。其他所有部分均保持不变。
Outro – 1/2
这是尾奏（Outro）的第一部分。它之所以复杂，不仅是因为有基础的打击乐技巧——手腕击打 (wrist kick) 和大拇指敲击 (thumb slap)——还因为在第 100、102 和 106 小节 (bars) 的末尾，出现了在 2-3 品上的活跃滑弦 (slides)。
另外请注意，在第 101 小节，从第 1 品到第 2 品的滑弦装饰音 (slide grace note) 是在反拍 (off-beat)（位于手腕击打和大拇指敲击之间）上弹奏的；而在与之相似的第 103 小节，它则落在了强拍 (downbeat)（与手腕击打及第一个音符同时）。
除此之外，这里就没有什么新的或特别困难的内容了。
Outro – 2/2
这最后一段（This final section）相当简单，本质上是引子（intro）的一个简化变奏（simplified variation）——没有打击乐，旋律上也只有细微的变化。
在第 113 小节（In bar 113），最后三个音符应该用一个明显的减速 (slowdown) 来弹奏。在这里，你的无名指和小指之间可能也需要一点手指伸展（stretching）。
在第 114 小节（bar 114）的最末尾，有一个由第 12 品（12th fret）上方的自然泛音 (natural harmonics) 组成的小和弦。
参考资料
spotify-downloader 免费下载spotify音乐 之前用的spotdl web 命令
yt-dlp 下载Youtube视频
使用命令如yt-dlp -f “bestvideo[ext=mp4]+bestaudio[ext=m4a]” https://www.youtube.com/watch?v=TGnXy1W1688可以下载最佳质量的视频
也可以yt-dlp https://www.youtube.com/watch?v=TGnXy1W1688
特殊调弦 这篇讲特调，讲的不错，有提到step是全音，semitone是半音
海鸥sws指板宽度是1.8英寸，45.72mm；
faith中音都是45mm
其他款都是43mm
其实还是宽指板比较适合我
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